Como contraposición a la película más racista y supremacista (en que los blancos dels ku klux klan son los héroes), la muda El nacimiento de una nación (1915, DW Griffith), que en realidad se debería llamar «Clansman», tenemos su reverso negro, una pequeña venganza cinematográfica: El nacimiento de una nación (2017, Nate Parker), el otro lado del espejo. Que falta hacía.
Reportaje del centenario de la película más racista de la historia.
Es realmente difícil ver una película dramática en que el drama sea contado de forma tan sutil, narrado con cotidianeidad y sin efectismos recurrentes, y donde los sentimientos no sean una explosión incontrolada que contagian el llanto. El dolor puede ser mayor cuando se intuye pero no se ve, cuando lo descubres bajo las capas y capas de otras emociones, y entonces te deja helado. Cuando el dolor acompanyan a los personajes de modo casi imperceptible, como una sombra…
Esta es la grandeza de Manchester frente al mar, con una historia sencilla y corriente, más propia del cine europeo que el estadounidense al uso; una historia como la de muchos, pero con la que el espectador se va dando cuenta que es más de lo que aparenta, aunque la vida sigue inmutable a ello.
Y lo va descubriendo con un Casey Affleck espectacular, contenido en su drama personal, torturado pero no como un rebelde con causa; sin ser una histrionica caricatura del dolor, una reina del drama. Sólo un ser humano con sus luces, sus sombras….
Manchester frente al mar huye de todo lo que podría haber sido a manos de otros, y aunque quizás es algo excesiva en metraje, me dejó en silencio conmigo misma. Porque hay veces que a una no le salen las palabras, porque lo que cuentan, y sobretodo como lo cuentan, te deja helado. Por suerte, es también un film de contrapuntos, de ternura y dulzura en ciertos personajes, de humor negro, y de esos paisajes helados y frondosos de esta población pesquera próxima a Boston, de su luz y sus cielos azules, y del amor por el mar.
Ayer, 30 de enero de 2017, se cumplieron 45 años de uno de los episodios más oscuros de la Europa contemporánea del siglo XX (porque del siglo XXI, hay muchos más): el llamado bloody sunday, domingo sangriento, la matanza de catorce personas, la mayoría de ellos menores de edad, en una marcha por los derechos civiles en Derry, Irlanda del Norte, en 1972.
No voy a contar nada más. No voy a contar como los militares dispararon por la espalda a los manifestantes, a sangre fría; mintieron sobre que éstos poseían armas, cócteles molotov y bombas…sólo os invito a ver el film del mismo nombre Bloody Sunday (Paul Greengrass, 2002) donde la cámara es testigo de la acción en todo momento, casi de forma objetiva. Se parece más a un documental que a un film de ficción, pues reconstruye todo lo ocurrido aquel fatídico domingo.
Un film lleno de tensión, que te deja clavado a la silla durante la hora y media de duración. Y al terminar, te das cuenta que es de aquellas películas que debes haber visto como mínimo una vez en la vida. Una obra maestra. Un imperdible (gracias a Sundance TV).
NOTA 1. El film, estrenado en 2002, no supo que años después, a raíz de una segunda investigación que publicó los resultados en 2010, los mismos que ya se apuntan en el film: que ninguno de los manifestantes llevaba arma alguna y que los soldados jugaron a la guerra con los civiles.
NOTA 2. El film ilustra también como dicho episodio fue uno de los detonantes para que la violencia en Irlanda del Norte se recrudeciera.
Primo Levi relató su experiencia en Auschwitz, desde su captura por las SS hasta la liberación del campo, narrando como los nazis acabaron con su Humanidad. Lejos del maniqueísmo, del ajuste de cuentas de la víctima, Primo Levi explicó con todos los detalles el proceso de destrucción del hombre, la deshumanización, el despojo de la dignidad, en los campos de exterminio nazis. «Si esto es un hombre» es el testimonio necesario para la memoria histórica, para la dignificación de las víctimas, para que lo sucedido no vuelva a suceder. Y los verdugos, no eran monstruos, según Levi, sino gente cualquiera que obedecía órdenes. Este era precisament el peor horror del sistema.
Éste es el mismo horror que nos muestran en Camp X Ray (Peter Sattler, 2014), en que una soldado descubre, a través de sus conversaciones con un preso, como los apresados en Guantánamo son por encima de todo personas, incluso inocentes, que sufren vejaciones, que se vuelven locos con la tortura psicológica y que viven en una muerte en vida. En este sentido, la deshumanización de dichos presos en Guantánamo me ha recordado a la pérdida de humanidad que vivió Levi en los campos, evidentemente salvando las distancias, y distancias kilométricas, por supuesto.
Y porque el film podría haber dado mucho más de si.
Los que vivís seguros
En vuestras casas caldeadas
Los que os encontráis, al volver por la tarde,
La comida caliente y los rostros amigos:
Considerad si esto es un hombre
Quien trabaja en el fango
Quien no conoce la paz
Quien lucha por la mitad de un panecillo
Quien muere por un sí o por un no.
Considerad si es una mujer
Quien no tiene cabellos ni nombre
Ni fuerzas para recordarlo
Vacía la mirada y frío el regazo
Como una rana invernal.
Pensad que esto ha sucedido:
Os encomiendo estas palabras.
Grabadlas en vuestros corazones
Al estar en casa, al ir por la calle,
Al acostaros, al levantaros;
Repetídselas al vuestros hijos.
O que vuestra casa se derrumbe,
La enfermedad os imposibilite,
Vuestros descendientes os vuelvan el rostro.
Primo Levi
Y Tom Hardy, que se sale.
La India, luminosa, colorida, musical y llena de oscuridad en sus alcantarillas. Jaipur y Mumbai, y una tormentosa historia de «amor» y deseo, de prejuicios, normas sociales, perspectivas emocionales, turistadas, exotismo, expectativas incumplidas, sentimiento de culpa, desprecio, dominio y abuso de poder…y una tragedia índia. Para la mujer nunca ha sido fácil….y menos en la Índia.
Aunque Freida Pinto está fabulosa….podría haber dado un poco más de si, ahondar más en el sentimiento de superioridad, desprecio implícito y paternalismo engañoso de los extranjeros, sobretodo turistas, hacia culturas distintas con niveles económicos más bajos…Lo que sí está claro es que no siempre encontremos humor y Bollywood y viajes de diez metros.
Una pizca de Londres, una gran dosis de una isla de la Costa Este de los Estados Unidos (que en realidad es Alemania, la isla de Sylt, puesto que Polanski no puede entrar a los EEUU por tener pendiente un juicio por un supuesto abuso de una menor), y una historia de intriga perfectamente engranada, con la que además todos pensamos un poco en Tony Blair….y en Hitchcock. Si estuviera vivo, quizás incluso la podría haber rodado él.
A destacar Ewan McGregor, como siempre, impecable tipo pringado en apuros.
El escritor (Roman Polanski, 2010)
Namibia, en el Africa, siguiendo los elefantes; Colorado, el oeste de los Estados Unidos, llanuras de bufalos; la selva tailandesa en Asia y la gigentesca ave calau bicrone o río abajo en Laos; los espectaculares glaciares argentinos, viendo ballenas, hasta llegar a tierra de fuego, en Chile, para ver los pingüinos rey; el viaje en solitario del padre, entre agitadas aguas, a la Antártida, para ver pingüinos papua; entre cocodrilos y tortugas en Australia (y un terrible ciclón); Europa, por Picos de Europa buscando el lobo ibérico entre la niebla (y después de mucho esperar) y fotografiando algun oso pardo; y America del sur, a la Patagonia, a por los ansiados pumas, momento culminante del film.
Todo este viaje hacemos gracias al largometraje El viaje de Unai (Andoni Canela, 2016). En él, Unai y Maia, unos pequeños protagonistas (9-10 y 4 años en el momento del rodaje, entre 2013 y 2014) que ven todo este mundo de naturaleza desde la inocencia y la dulzura del que descubre con entusiasmo cosas por primera vez, tanto de la naturaleza como de lass historias que van descubriendo en el viaje. Los niños, los animales y la naturaleza són los protagonistas absolutos. Los padres, él fotógrafo del National Geographic, ella, escritora de cuentos infantiles, los guías perfectos hacia esta mirada única a este «otro» mundo de paisajes infinitos, salvajes, puros, virgenes…sin fin, como la Antártida. Y culturas distintas, tan lejos y tan cerca.El documental nos descubre el privilegio de poder hacer otra mirada, sin miedo ni filtros ni distorsiones sobre el mundo. Y vivir aventuras, descubrir la naturaleza con todo su esplendor, y tomar conciencia sobre la necesidad ecológica de preservarla, pues la mayoría de los animales con los que nos enocontramos estan en peligro de extinción, sea por la acción del hombre o el cambio climático. «Que algun día estps animales puedan vivir en total libertad».
Como espectador envidias a esos críos por esta oportunidad única en la vida, y sonríes con imágenes cotidianas como los viajes en avión, el aeropuerto, las noches en la hoguera, las pinturas, un corte de pelo en la peluqueria de Bangkok, las canciones en inglés, saltos en la cama, sanguijuelas escurridizas en la selva, que no te roben tu comida preferida, bailar y cantar con la Luz Casal, hacer fotos en el aire, pescar, que caigan cocos gigantes con la tormenta, las clases con la madre
Frescura y más frescura. La dulzura aventura de descubrir mundo, y de vivir de otra manera, abriendo. Y, en definitiva, un gran acierto de documental sobre naturaleza, entretenido, didáctico y lleno de genuina belleza.
No se si he dicho alguna vez que soy fan de Mark Ruffalo. Un actor, a veces con gesto de estreñido, que sabe escoger muy bien sus películas. Me enamoró en Begin Again, que he revisionado de nuevo este verano (y me sigue encandilando como la primera vez), y me encantó en Zodiac, film que beve del cine de los setenta-ochenta y que además comparte mucho con la última película que protagonizó con acierto Ruffalo: Spotlight (Thomas McCarthy, 2015).
Es de estas películas que tienen un gran ritmo; en la que se investiga sin grandes persecuciones ni muertes ni teorias de la conspiración, y en la que se reconstruyen historias y escenarios. En este sentido, lo hizo maravillosamente la miniserie True Detective. Porque no hay prisa en la reconstrucción de la historia, porque la pistola no tapa el ejercicio de la pluma, sino que el film quiere discurrir con el compás de una canción de jazz. Y así, van juntado las piezas del puzzle, armando engranajes para atrapar al espectador en una historia armada en una espectacular telaraña.
Soy periodista y miro con cierto recelo lo mucho que ha cambiado la profesión como para que muy poco quede del periodismo de investigación anglosajón, toda una escuela que huye de lo que muchos ahora llaman periodismo de investigación, y es más parecido a la prensa amarilla y a lo que hacía Stephen Glass (interpretado por Hayden Christensen) y su impostura en El precio de la verdad (2003).
Así que me apasionó ver en acción a un grupo de periodistas del Boston Globe (para la publicación ‘Spotlight’) con total seriedad y plena libertad para destapar los escándalos de pederastia cometidos durante décadas por curas del estado de Massachussets. Y aunque la pederastia en el seno de la Iglesia Católica es central en la película, es un film sobre el trabajo del periodista.
De ese modo, Spotlight deviene una magnífica y premiada película basada en hechos reales que transcurre en Boston durante al menos dos años (2001 y 2002), pues somos testigos del paso del tiempo y las dificultades de la investigación, los tejemanejes y pulsos entre políticos, poderes religiosos (una Iglesia Católica con mucho poder entre la sociedad irlandesa en Boston) y periodistas, y asistimos incluso, como contexto histórico, a la caída de las Torres Gemelas.
Micheal Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber o Mark Ruffalo hacen unas interpretaciones contenidas y muy reales. El guión es fabuloso y la ambientación de un realismo poco usual en el cine estadounidense de los últimos años (pero si habitual en el cine de los ochenta como Acusados, El silencio de los corderos, Todos los hombres del presidente o Taxi Driver). Porque es casi una película de detectives, sin grandes héroes, con personajes muy humanos y con un enganche que aunque no se presente al inicio del film (cuesta mucho no perderse) acaba por absorberte el resto del metraje.
Ah, y el director es el mismo que la deliciosa The Station Agent (2003) antes de que Peter Dinklage se hiciera famoso como el más bajito de los Lannister.
NOTA: en este enlace encontraréis a los verdaderos reporteros de esta historia.
No he visto mucho cine este verano. Ni tampoco he viajado mucho. Así que yo, mi tele y mi sofá hemos tenido pocos momentos de gloria. Pero los que tuvimos me ha servido para recuperar algunas de mis películas de aventuras preferidas, otras de nuevas y alguna que otra historia urbana menos soñadora. Seguir leyendo
La inocente mirada de Fontaine, el sexy descaro de Louis Jordan…y el drama no sólo del amor no correspondido, sino del amor olvidado, de la punzante indiferencia, del dolor de no ser recordado…lo que para uno fue todo una vida, el gran amor de toda una vida, para el otro fue un destello insustancial incapaz de gravarse en su memoria.
«Tantas cosas que pasan inadvertidas»
Carta de una desconocida (Max Ophüls, 1948)
PD. Curiosa la escena de los viajes postizos por Italia, Suiza….en un bagón de tren de atrezzo…
Como si viera una película de Woody Allen pero sin Woody (que muchas veces es un alivio), sin tanta berborrea, ni complejos, y con grandes frases (Me surge la oportunidad de vivir otra vida y no me atrevo…..Si tuviera dos vidas, me gustaría vivir la tuya…Me voy a enamorar para compartir gastos….)
Un cuento fresco, sencillo, sin pretensiones, vendiendo algo de magia, que ya está bien, también melancolia, algo de desencanto…. y con unos protagonistas deliciosos (todos)…Y la vida, la vida inesperada (Jorge Torregrossa, 2014), maravillosamente inesperada, pero vida que pasa y es, al fin y al cabo.
Ah, y imprescindible verla en versión original…nunca entendré eso de los doblajes y menos cuando puede cambiar el sentido de las escenas (el trailer no lo he encontrado en V.O)
(Carlos Saura, 1990)
Ay Carmela, ay Carmela…
Hay vida más allà del estrecho. Y sentido del humor. No todo el mundo és capaz de reirse de uno mismo, por eso es bueno a veces que otros lo hagan un poquito por ti. Sobretodo cuando el verde militar es tan poco dado a la risa (y a la autocrítica). Lejos queda La vaquilla (Luis García Berlanga, 1985)…pero claro, eran rojos riendóse de ellos mismos y de la guerra…e incluso diria que era una época más progre, con menos autocensura y ultrapatriotismo por ahí…
En fin, Eva, del blog Un puntal d’Hercules, se fue al cine en Tetuán, a una sala con 10 ocupantes más, para ver el conflicto del islote del Perejil, que tantos chistes provocó en su momento y tan serios se pusieron algunos, desde la perspectiva marroquí y en tono de comedia. La isla d Perejil (Ahmed Boulane). Ellos tampoco pueden hacer mucha autocrítica, pero han sido más atrevidos que nosotros. Aunque quizás a partir de ahora….
No lo hubiera escrito ni mejor ni con tanto detalle y pasión. No sobra ni falta nada. Es perfecto.
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San Francisco es el paraguas escénico para este thriller, que no es tal, sino más bien una gran obra de investigación, con pulso y garbo, sobre un asesino en serie que estuvo más de diez años acojonando la ciudad.
La forma en que está rodada, como si fuera un clásico de los 70; los encuadres (el plano del taxi moviéndose por las calles de la ciudad mientras se escucha la radio), el rompecabezas de la narración, la trepidante música. Casi tres horas de film que te dejan pegado en la pantalla y te hacen partícipe en todo momento de la investigación, incluso de las dudas y el misterio de las cosas que no siempre se pueden ni saber ni resolver.
La incógnita remata por igual al espectador que a los personajes. Unos personajes que estan magníficamente interpretados, incluso los actores secundarios. Mark Ruffalo está que se sale como detective, cada día me gusta más este actor; Jake Gyllenhan notable como il·lustrador metódico, aunque siempre le dan personajes raros, y Robert Downey.JR, pues también como siempre, haciendo de excéntrico vividor.
No lo puedo evitar. Cada vez que revisiono Eduardo Manostijeras (Tim Burton, 1991) no dejo de pensar en Dogville (Lars Von Trier, 2003). Y viceversa. En ambas, sociedades apacibles, pueblos con gente aparentemente inocente, acoge con más o menos amabilidad al animalito herido, a la alma descarriada, al extranjero, que descolocado confía en este mundo y en su bondad…para luego, como un compañero de colegio abusón, plantarle el bofetón, abusar de él y echarlo en caso de rebelión.
La misma hipocresía que reinaba en la era de la caza de brujas y que seguramente ha reinado durante siglos en todo tipo de sociedades.
Aunque, en algunos casos, la venganza los ponía en su sitio.
Una tarde de llúvia del segundo día de 2016, en un pueblo de montaña. Sofá y manta. Y Paul Newman, Robert Redford y El golpe (George Roy Hill, 1973). Como si el tiempo no hubiera pasado nunca. Ellos, maravillosos. La trama por capítulos con mucho, mucho, ritmo. La chispa, no cae en ningún momento, con humor incluído. Los trajes, nadie los viste como ellos; sobretodo la boina ladeada de Redford (aunque yo soy más de Newman, con esa sonrisa y sus preciosos ojos azules) en el Chicago de los años 30. Timadores de 10, gángsters banqueros, polis corruptos…La música, pegadiza, danzarina. Aún la silbo. Y el engaño, o «venganza», siempre fabuloso (Ocean’s Elevan bebió de una obra maestra), lleno de suspense e intriga. Dosis perfectas para un film redondo. Porque por algo es un clásico universal, atemporal, única, que nunca, nunca, me canso de ver.
¿Qué mejor que estrenar el año con un buen golpe?
Los duendes de las estadísticas de WordPress.com prepararon un informe sobre el año 2015 de este blog.
Aquí hay un extracto:
Un teleférico de San Francisco puede contener 60 personas. Este blog fue visto por 3.600 veces en 2015. Si el blog fue un teleférico, se necesitarían alrededor de 60 viajes para llevar tantas personas.
Ser mujer, enamorarse, los tabúes, las supersticiones, las normas sociales, la hipocresía, la indefensión, la violencia, el machismo…. el «honor»es más importante que las personas, que su felicidad, que la vida….
A los pocos años de la caída de la Unión Soviética, Georgia se desengraba. Guerra civil, violencia sin sentido, rapto de niñas, bodas concertadas, colas para conseguir el pan, padres alcoholizados, caos, miedo, covardía, silencio, tradición, odio, venganza, bandas callejeras, vidas sin valor, celos, mujeres que sostienen el mundo (abuelas, madres, hijas), amistad, risas inocentes, armas….todo eso inunda la vida cotidiana, Y en este contexto, dos niñas de catorze años ven como su infancia se esfuma durante un verano…hay pasos a la madurez que duelen, como un pinchazo en el costado.
NOTA: interpretaciones y ambientaciones que hielan la sangre. Brutales, llenas de matices. Desde la rabia e impotencia por la violencia y el dolor, hasta las risas y alegrias de la infancia que lucha por resistir, a la melancolia agridulces que supone crecer tan deprisa en un mundo roto, despedazado y complejo.
NOTA2. No conseguí sacarme de la cabeza la canción que se repite a lo largo de todo el film. Parece una canción de Joaquín Sabina.
Mierda de guerra. El trueque como elemento que mueve el mundo, incluso en tiempos de «paz»; la burocracia de la UN, rozando siempre el surrealismo kafkiano; la falta de medios de los cooperantes, con valientes que van desde el ingenuo principiante al veterano pasado de vueltas; el puteo mutuo de la población en conflicto… Y, evidentemente, el horror, el dolor y la muerte.
¿Y qué hacemos? Reír para no llorar. Esta es la máxima. Porque, a pesar de todo, la vida, la naturaleza, sigue su curso. Irremediablemente. Porque aunque nos lamentemos por lo que se ha ido, marchitado, desaparecido…..el agua, siempre, sigue su cauce, encuentra su camino y brota de nuevo. Seguir leyendo
Podría ser el nombre de un cuadro. Pero no, es más una metáfora. Una triste metáfora del dolor, el sufrimiento y la muerte que llevó consigo el Franquismo.
Muchos dicen, y con eso incluso a veces parece que lo justifican, que después de una guerra, los vencedores se vengan de los vencidos, que ya se sabe, son las inevitables cosas de este mundo, con las que si creemos irremediables, ya tenemos vía libre para la apatía. Es la excusa perfecta para no luchar por la dignidad.
«Que claro, los rojos hicieron muchas bestialidades» me dicen (creo que incluso cada vez más). Sí, toda la razón, muchísimas. Pero una cosa no quita la otra. Ni es comparable. Porque no se pueden comparar meses de terror rojo con 40 años de dictadura fascista, una España grisoscuracasinegra en la que murió mucha gente. Incluso chiquillas, como éstas, las Trece Rosas, activistas y simples modistas. La más joven, 18 años, la más vieja, sólo 29.
La Trece Rosas, cuya triste muerte, torturadas y fusiladas sin más, se recuerda todos los veranos. Y aunque ya casi lo hayamos terminado, allí sigue mi recuerdo. Que no se quede la “voz dormida” de muchas de ellas, de todas las mujeres encarceladas, torturadas, violadas y asesinadas. A veces, doblemente perdedoras, por rojas y por mujeres.
Un clásico políticamente incorrecto y no apto para amantes de los animales, aunque juran en los títulos de crédito que ni animales ni personas han sufrido agravio. Pero es un film de safaris y de cazadore: ¡Hatari! (Howard Hawks, 1962), una divertida comedia, con mucha aventura y acción contenida sobre un grupo de amigos en África que cazan animales exóticos para suministrar a los zoológicos. Seguir leyendo
Insuperable reportaje de Pepe Naranjo sobre Tombuctú, ciudad, sociedad y alma en el film Timbuktu del director mauritano de origen maliense Abderrahmane Sissako.
«Aunque pasó lo peor —¿qué es una gota de nueve meses en un océano de siglos de historia?—, la ciudad sigue convulsa, pero en pie. Ocupada ahora por soldados de Naciones Unidas, cada cierto tiempo sobresaltada por un atentado, un ataque, un ajuste de cuentas, alguna muerte violenta. El hecho de que Sissako haya tenido que rodar su película en Mauritania y no en la propia Tombuctú es buena muestra de que la calma no acaba de regresar. Los terroristas que la quisieron convertir en una sombra ya no están, pero ha quedado claro que ellos solo eran una parte del problema. El mal que corroe al norte de Malí era y sigue siendo el olvido. En Tombuctú, sin embargo, saben vivir con ello. Y Sissako, esto es indudable, ha sabido recoger en su película el alma de esta ciudad. Los minaretes de sus mezquitas seguirán mirando al cielo. Y viendo el tiempo pasar, su mejor aliado.»
Aprendiz de Geisha en Kyoto. Una versión, japonesa y femenina, entre Billy Elliot, la Cenicienta y Karate Kid?
Debe ser el verano, pero tengo ganas de ver una comedia japonesa como ésta. Más ligera que otras que conozco, como Zatoichi (Takeshi Kitano, 2003), aunque tengo que reconocer que me reí a más no poder y me han entrado ganas de revisionarla. Es de aquellas películas con las que te lo pasas bien.
Aunque próxima al caos, por no agradar al mercado, lejos estás de la tierra que tu cuna fue.
Lo que con el alma buscaste y creíste encontrar
hoy lo desechas, peor que chatarra valorado.
Desnuda en la picota del deudor, sufre una nación a la que dar las gracias era antaño lo más natural.
País condenado a ser pobre, cuya riqueza
adorna cuidados museos: botín por ti vigilado.
Los que invadieron con armas esa tierra bendita de islas llevaban, con su uniforme, a Hölderlin en la mochila.
País tolerado ya apenas, a cuyos coroneles
toleraste un día en calidad de aliados.
País sin ley al que el poder, que siempre tiene razón, aprieta el cinturón más y más.
Desafiándote viste de negro Antígona, y en el país entero hoy lleva luto el pueblo cuyo huésped eras.
Pero, fuera de ese país, el cortejo de parientes de Creso ha acumulado en tus cámaras cuanto brillaba dorado.
¡Bebe de una vez, bebe! grita la clac de los comisarios, pero airado te devuelve Sócrates su copa a rebosar.
Maldecirán los dioses a coro lo que te pertenece, pero sin tu permiso no se podrá expropiar el Olimpo.
Sin ese país te marchitarás, Europa, privada del espíritu que un día te concibió.
La mayoría de veces se me ponen los pelos de punta cuando miro aquellas películas, especialmente americanas, que se dan un garbeo por Europa. Porque, normalmente, los tópicos, exageraciones, arquetipos y toda la maquinaria del imaginario yanqui sobre la vieja Europa se ponen en marcha y hacen de ellas un producto entre lo pintoresco y lo insultante. Me suelen enervar y me dan ganas de apagar la tele. Pero en algunas ocasiones, eso mismo, me sonreír y soñar. Son esas, maravillosas, excepciones.
Si Bajo el sol de la Toscana o Belleza Robada disfruté, a pesar de algunos «peros», con una sonrisa y una ligera ensoñación de esta Italia rural de villas, vino y buena compañía, Un buen año (Ridley Scott, 2006) consiguió que me entraran unas ganas locas de viajar a la Provenza francesa ¡Y tirarme también al bendito vino!.
Porque es precisamente su sencillez, su falta de pretensiones, su naturalidad y frescura, incluso en los intentos de hacer comedia, su dulzura y este positivismo sobre la vida, sin caer en la típica y ñoña comedia romántica de redención y sentido de la vida, la grandeza de este film.
Y es que la película, que explica la historia de un banquero sin corazón que al morir su tío hereda la casa y los viñedos en los que pasó gran parte de su niñez, se tiene que ver desde este prisma: estar preparado para disfrutar, sin esperar nada más, de una pequeña historia en la que dejarse llevar y evocar recuerdos, sueños y anhelos, sin dejar de sonreír.
Pero, sobretodo, gozar de nuevo con el recuerdo de la maravilla de aquellos veranos en la casa de los abuelos, de los tíos, de los amigos de los padres, en el camping (ese veraneo con todo el día por delante) donde todo son risas, aventuras y aprendizaje, al fin y al cabo. Porque además, con eso recordamos también que hay días que la vida es bella. Y en verano, aún más.
NOTA: No suelo ser muy fan de Russell Crowe, a veces su «intensidad» me repulsa, pero en este film está más que correcto. Marion Cotillard también, Albert Finney sale demasiado poco, y Abbie Cornish, una sorpresa como joven (y mochilera) americana. Pero por encima de todo, me quedo con los vecinos que se ocupan del mantenimiento de la casa, con abuelo incluído, que son una delícia de personajes.
La Turista Accidental 