Mi querido Sean, buen viaje

Se ha ido uno de mis actores favoritos de todos lo tiempos. Sean Connery. Un hombre al que daba gusto ver en la pantalla por su capacidad de llenarla. Un hombre que a medida que cumplía años más guapo y sexy me resultaba. Y un hombre que me hacía disfrutar del cine, con sus películas y sus viajes de ficción.

Aquí dejo algunas de mis favoritas.

Como padre y maestro de uno de los héroes más humanos y emblemáticos. Yo crecí viendo sin parar las aventures de Indiana Jones por el mundo, y la tercera entrega Indiana Jones y la última cruzada (Steven Spielberg, 1989) con Sean Connery como Henry Jones padre, es sin duda mi favorita.

Su película Hitchcock es también una de mis favoritas: Marnie la ladrona (1964), ese viaje en la psicología femenina y otra vez con Tippi Hedren como torturada.

Aventuras en un lejano reino llamado Kifiristán (en realidad, Aït Benhaddou, en Marruecos) en El hombre que pudo reinar (John Houston, 1975), en compañía de Michael Caine.

Cuantas veces he visto El nombre de la rosa (Jean Jacques Annaud, 1986)? Creo que incontables veces, incluso hoy mismo. Este Sherlock Holmes cristiano en un mundo medieval monástico oscuro, perverso y cruel, con una Santa Inquisición de órdago. Un cuento de terror maravilloso. Y nadie podría haber sido mejor el hermano William que Connery, por supuesto.

Bond, James Bond. Goldfinger, Dr.No, Desde Rusia con amor, Nunca digas nunca jamás, Diamantes para la eternidad, Solo se vive dos veces….nadie lo interpretó como él. Me acuerdo cuando era pequeña, y veíamos con mis padres las primeras pelis de 007. Solo las veíamos si salía Sean Connery, ni Roger Moore y mucho menos Timothy Dalton tenían su encanto, esa sonrisa y mirada pícara. Para nosotros eran impostores.

Los intocables de Elliot Ness (Brian de Palma, 1987) no sería la misma sin la magnífica escena del tiroteo final en las escaleras de la estación así como sin Sean Connery y Kevin Costner.

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Inglaterra, en serie

Cada día soy más fan de las series británicas. No te las puedes perder.

I may destroy you

Cuáles son los limites en una relación sexual consentida? Esta es la gran pregunta que planea por esta miniserie británica que analiza a través de sus protagonistas varias facetas de la violencia sexual, las redes sociales, las drogas…Sin dramatismos y con un final brillante, para quedarse pegado al sofá durante horas.

Years and years


Bien podría ser un episodio de “Black mirror”. Porque cuando el futuro que plantea una ficción es tan real como la misma realidad, da absoluto pavor. Una maravilla que me revuelve las tripas y que me hace plantear….”Y si….”. A cada día le queda menos de mundo.

Line of duty

Birmingham. Crimen organizado, policia corrupta, interrogatorios que te hacen sudar y una unidad anticorrupción. Brutal. Adictiva.

Fleabag

Londres. Una chica que habla a cámara. Una cafeteria dedicada a un conejillo de híndias. Un hot priest. Una primera temporada buena. Una segunda, brillante. Dicen que o la odias o la amas. Pero lo que plantea esta serie, la metahistoria, es único.

PD. Y como “menciones especiales”.

Crashing

Fleabag antes de Fleabag.


Lovesick

Clamidia, mejores amigos, situaciones surrealistas.

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De espías y viajes

Me encantaría ser un espía. Los espías son fuertes,hábiles, valientes…pero sobretodo muy listos y astutos. Y viajan mucho. De un país a otro. Rápido y casi sin equipaje (porque está claro que alguien les hace el trabajo. Ya me imagino al pobre que se tiene que ocupar de enviar las maletas con la ropa y todas las armas a cada ciudad. Qué lío). Aunque muchos de ellos son dobles espías, personas que en la sombra desestabilizan gobiernos y países, manipulan sin pizca de ética ni moral, se vuelven corruptos, algunos son mercenarios, locos y mal parecidos, o pobres manipulados por intereses de unos y otros…y además, vayan donde vayan, los países que visitan están repletos de tópicos.

Pero, da igual. Las películas de espías son maravillosas para pasar una buena velada.

Y con esta introducción, aquí va mi lista de films de espías que, con mayor o menor calidad, me han servido para entretener mis últimas noches de primavera y las primeras del verano:

Spy game (Tony Scott, 2001)

(Como ser Brad Pitt y tirar una silla desde una azotea sin inmutarse. Y Robert Redford recibiendo llamadas de su “mujer” en una sala de reuniones el día de su jubilación.)

Ronin (John Frankenheimer, 1998)

(Jean Reno y De Niro, están magníficos con su química y camaradería. Pero me pregunto que sentido tiene para la trama el personaje interpretado por Sean Bean (eternos Boromir y Ned Stark))

Los tres días del Cóndor (Sydney Pollack, 1975)

(Hay papeles que a Robert Redford le van como anillo al dedo. A veces parece el mismo personaje en distintas películas)

Munich (Steven Spielberg, 2005)

007 contra el Doctor No (Terence Young, 1962)

(Bond, James Bond no podía faltar. Ni Sean Connery, su mejor versión, Y aquí podría añadir: Goldfinger, Desde rusia con amor,  Diamantes para la eternidad)

Operación U.N.C.L.E (Guy Ritchie, 2015)

(Me encanta el sabor a 007 y el sentido del humor. Y el trio formado por Henry Cavill, Armie Hammer y Alicia Vikander)

La vida de los otros (Florian Henckel von Donnersmarck, 2006)

Con la muerte en los talones (Alfred Hitchcock, 1959)

(Y también El hombre que sabía demasiado. Marruecos. Aunque Doris Day es insufrible)

El hombre más buscado (Anton Corbjn, 2014)

(Phillip Seymour Hoffman. Nada más que decir.)

El invitado (Daniel Espinosa, 2012)

(Ryan Reynolds: de aburrirse en Ciudad del Cabo a pasar unos horas frenéticas de aprendizaje acelerado de la mano del mejor y letal agente, Denzel Washington. Y Ruben Blades viviendo en un contenedor surafricano.)

El tercer hombre  (Carol Reed, 1949)

(Aunque no sea estrictamente de espías….es mi debilidad, un clásico atemporal)

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El dia D, Normandía y mi abuelo

Esta semana he pensado mucho en mi abuelo. Mi abuelo luchó en la guerra civil y salió traumatizado de ella. Como muchos en las guerras. Como muchos en las terribles guerras del siglo XXI.

Y es que esta semana tropecé por casualidad con una serie de HBO, con casi 20 años a sus espaldas.

Band of brothers, traducida como “Hermanos de sangre“, una serie de 10 episodios en la que sigue el avance de un batallón de paracaidistas, la compañía Easy, durante dos años de guerra, desde el desembarco a Normandía, 6 de junio de 1944, hasta su paso por Holanda, Alemania, Austria y fin de la contienda.

Narrada desde el realismo absoluto, a veces incomodo (y a pesar de ser producida por Tom Hanks y Steven Spielberg, mucho menos patriótica que Salvar el soldado Ryan, aunque no por ello deja de ser excesivamente buenista con el bando aliado) y mostrando lo peor de la guerra, sus tripas, las trincheras y la letalidad de las armas por encima de todo.

Me ha tenido enganchada durante una semana entera en el sofá, todas las noches, a dos capítulos por día. Aunque reconozco que el interés de los episodios es irregular. Algunos, sobretodo hasta poco más de la mitad, me han dejado perpleja, muda (el mejor, el sexto, el del sanitario en Bastogne, brutal episodio… “!Sanitario! ¡Sanitario!”), los últimos, lástima, me han dejado algo vacía y con cierta sensación a superficialidad, sobretodo en los últimos dos episodios (aunque no deja de golpearte en el estómago el descubrimiento de los campos de concentración y las 11 millones de víctimas).

Por último, recordar que de dicha serie salieron una cantera importante de actores de la última década: Michael Fassbender, Tom Hardy, James McAvoy, Andrew Scott, Colin Hanks, Simon Pegg, Dominic Cooper, Jimmy Fallon, Damian Lewis, Ron Livingston, Michael Cudlitz, y un largo etc. que se juntó en una serie coral sin protagonistas definidos y muchos de ellos con mínimas apariciones. Es lo que tiene formar parte de una gran panda de hermanos de sangre.

PD1: El dia D fue el 6 de junio del 44. Casualmente, el 6 de junio es también mi cumpleaños. Cada año me acuerdo de ambas efemérides.

PD2: Hace unos años, a raíz de una historia que me contó mi madre en el aniversario de la muerte de mi abuelo, escribí un breve relato que no ha dejado de darme vueltas en la cabeza mientras veía la serie:

Estaba allí acurrucado en la trinchera. Sin hablar. Con la cabeza entre las piernas. Se balanceaba suavemente, en un largo sollozo silencioso. Estaba en choque. Había sido un accidente: la escasez de armas en el bando republicano en aquel último año de guerra había propiciado que su fusil, una reliquia soviética de la Revolución Rusa, explotara y parte del metal alcanzara la cabeza del compañero de al lado. Murió al instante.

Francisco estuvo sin moverse dos días enteros en aquel agujero del frente de Aragón. Pálido. Inmóvil. Incluso se meó encima. Sus compañeros se lo miraban de lejos. Sólo se acercaban a darle agua y la ración diaria de comida. No le hacían ni una broma. Su superior hacía ver que no lo veía. Era demasiado joven para meterse con él. Sólo tenía diecisiete años.

Francisco recordaría años después como la guerra había marcado su vida. Siete años de mi vida perdidos, decía: dos de guerra, dos en el campo de concentración y tres de la mili con Franco. Y toda una vida insufrible con aquel recuerdo.

Cuando volvió, había perdido casi veinte quilos. Y pasó del regordete niño de barrio al joven apuesto que se parecía a Paul Newman.

Se casó con la hija de una modista, que escondía a tránsfugas en plena postguerra,  y de un barbero de barrio. Él se hizo electricista y fue un dulce padre de dos niñas preciosas. Preciosas y listas.

Su hija le preguntaba, quería saber cosas de la guerra. Y él siempre callaba. La niña seguía insistiendo y él soltaba algunas historias, más o menos edulcoradas de aquel calvario. Menos la historia de aquella trinchera de la que mi madre no supo hasta el final de su vida.

Así fue como, ya enfermo terminal de cáncer maldecía su enfermedad y la guerra. Y es que la enfermedad,  fruto del dolor de aquella experiencia, le recordó su incapacidad para convivir con aquel recuerdo.

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Entre cuatro paredes y un techo

A parte de un confinamiento, en donde estos días nos hemos reinventado para hacer mil y una cosas, muchas historias cinematógraficas pasan entre cuatro paredes y un techo.

Y muchas son grandes obras del cine (sobretodo del cine clásico que estos días, con tantas horas, es un tiempo ideal para revisionar), en donde lo mejor de ellas ha ocurrido casi sin salir de casa.

La soga (Alfred Hitchcock, 1948)

La ventana indiscreta (Alfred Hitchcock, 1954)

Arsénico por compasión (Frank Capra, 1944)

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Lo mejor de Coixet, amor incondicional con Vancouver de fondo

Las lágrimas en confinamiento saben a nostalgia, a pérdida devastadora, a amor incondicional y absoluto, a magia y poesia, a bellísima fotografía, a Vancouver. A Isabel Coixet, Sarah Polley, Mark Ruffalo, Scott Speedman, Lenor Watling, Deborah Harry o Amanda Plummer.

Todo junto, una maravilla.

Así he empezado la cuarta semana de confinamiento con el tierno drama Mi vida sin mí (Isabel Coixet, 2003). Emocionándome y llorando. Y me he quedado tan a gusto. Había olvidado su fuerza vital a pesar de tener la muerte tan presente. Una oda a vivir la vida. Carpe diem. Había olvidado que era un 10.

 

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Amor, libros, nazismo y la banalidad del mal

El juicio a Eichmann y la banalidad del mal (para Hannah Arendt, Eichmann no era un monstruo, sino un burócrata que ni se planteó que lo que hacía estuviese mal) y las distintas facetas que puede contener una misma persona. Y una misma relación.

Eso es lo que me evoca cuando veo El lector (Stephen Daldry, 2008). Y eso es lo que la hace una gran película, su magnífico equilibrio entre la belleza y la magia de los libros y el amor,  y el horror y la suciedad que hay debajo, el nazismo.

Kate Winslet, maravillosa como siempre. Ella es la luz y la sombra de la película. Como enamorarse de alguien que es incapaz de reconocer lo que está mal e incapaz de discutir la ética en una orden? Pues nos enamoramos de ella como se enamora el protagonista. Quizás porque parece un animalillo indefenso, quizás porque en nuestra concepción altiva de la cultura y la educación, que nos hace sentir superiores, perdonamos al inculto, al básico de sus errores. Quien sabe, lo que está claro es que al terminar El Lector éstas y otras cuestiones se te quedan clavadas en ti y te hacen dar vueltas sin parar.

Cine para el confinamiento.

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“Tu eres de los malos”. De juicios, racismo y desigualdad racial

Hay géneros que nunca pasan de moda y que siempre emocionan. Es un pulso lento para saborear. Un buen juicio, una buena defensa o acusación. Estados Unidos profundo. El Ku Klux Klan (KKK), un sistema blanco para blancos en que el negro está en desigualdad de condiciones. Los alegatos finales, subir al estrado, el “protesto señoría”.

El cine de juzgados es un buen cine para el confinamiento.

Empezamos con el film al cual pertenece la frase del título: Tiempo de matar (Joel Schumacher, 1996).

….que no deja de ser un homenaje a un clásico como Matar a un ruiseñor (Robert Mulligan, 1962).

Y aunque no haya juicio, si hay investigación, asesinato racial y el Ku Klux Klan, un ya gran clásico con unos magníficos Gene Hackman y Willem Dafoe: Arde Mississippi (Alan Parker, 1988)

Y no podía dejar de nombrar algunas grandes películas de juicios imprescindibles:

Doce hombres sin piedad (Sidney Lumet, 1957)

Anatomía de un asesinato (Otto Preminger, 1959)

Algunos hombres buenos (Rob Reiner, 1992)

Impulso Criminal (Orson Welles, 1959)

En el nombre del padre (Jim Sheridan, 1993)

El jurado (Gary Fleder, 2003)

El cliente (Joel Schumacher, 1994)

La caja de música (Constantin Costa-Gavras, 1999)

Acusados (Jonathan Kaplan, 1988)

Sleepers (Barry Levinson, 1996)

Presunto inocente(Alan J. Pakula, 1990)

 

 

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Cuando los serbios perdieron el alma

Los Balcanes, 25 años después.

Violaciones de mujeres en masa (hasta 50.000 víctimas), abusos, torturas, asesinatos…la guerra en los Balcanes fue un horror para los bosnios, pero aún más para las bosnias. Para muchas mujeres.

Y en aquella guerra, donde todo valió y nadie hizo nada para evitarla, los serbios perdieron el alma y el corazón. Perdón, los “chetnik”, como bien se remarca en el film.

“-No puedo odiar a todos los serbios, mi madre es serbia.

-Perdona, no me referia a los serbios. Hablaba de los chetnik. No son lo mismo”

La guerra es horror, odio, sinrazón, perversidad, locura, pérdida de humanidad, juicio y alma. Para muestra, un botón. En tierra de sangre y miel (2013, Angelina Jolie).

PD. Tengo muchos peros en mente, aunque en muchas cosas es una película valiente, bien ejecutada, realista. No me convence como un dirigente con responsabilidades sea durante buena parte de la película el menos hijo de puta de todos. Es muy tramposo por parte de la historia. Aunque se entiende que la guerra cambie a las personas. Y que la paranoia y la locura siempre acaben venciendo.

PD2. SPOILER: no hay nada que más me moleste y es que sea el típico desenlace de la violencia de género: hombres que primero matan a la mujer y luego se suicidan.

Los que vivís seguros
En vuestras casas caldeadas
Los que os encontráis, al volver por la tarde,
La comida caliente y los rostros amigos:
Considerad si es un hombre
Quien trabaja en el fango
Quien no conoce la paz
Quien lucha por la mitad de un panecillo
Quien muere por un sí o por un no.
Considerad si es una mujer
Quien no tiene cabellos ni nombre
Ni fuerzas para recordarlo
Vacía la mirada y frío el regazo
Como una rana invernal
Pensad que esto ha sucedido:
Os encomiendo estas palabras.
Grabadlas en vuestros corazones
Al estar en casa, al ir por la calle,
Al acostaros, al levantaros;
Repetídselas a vuestros hijos.
O que vuestra casa se derrumbe,
La enfermedad os imposibilite,
Vuestros descendientes os vuelvan el rostro.

“Si esto es un hombre”, escribió Primo Levi

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Un ex boxeador, una tullida y el amor no romántico

El amor no siempre es romántico, ni dulce ni edulcorado. A veces es orgánico, convencional, casual. Amor por necesidad. Incluso amor algo frío. Pero, ¿es menos amor? ¿como se mide eso?

En Antibes (Francia), un ex boxeador belga convertido en trabajador de seguridad a tiempo parcial entabla una amistad por casualidad con una ex domadora de orcas tullida. Y así nace una historia embriagadora que se te ata al dedo para que vayas estirando sin saber muy bien a donde te llevará. En vilo, esperando “que pase lo que tenga que pasar”. ¿Y qué es? Nunca lo sabes. Esta es su magia.

Esta y una Marion Cotillard y un Matthias Schoenaerts que brillan con luz propia.

De óxido y hueso (Jacques Audiard, 2012)

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Dallas, el sida (y Erin Brokovich)

Dallas Buyers Club (Jean Marc Vallée, 2013). O como Ron Woodroof deviene el Erin Brokovich en la lucha contra el sistema sanitario y farmacéutico. Impecables actuaciones para una historia que engancha y unos personajes que se tornan carne. Magnífica.

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La bretaña, un faro y un relojero

Y los secretos familiares, la guerra de Argelia, los poids noirs, el rechazo al extraño, las miradas, el otro, el amor, la melancolia…

El extraño (Philippe Loiret, 2004)

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Varsovia, 1944

Cronica de un alzamiento. La de los ciudadanos y ciudadanas de Varsovia durante la ocupación nazi en verano y otoño de 1944, animados por la cercanía del ejército ruso y después de cuatro años de soportar vivir bajo el yugo de los alemanes. Un episodio realmente desconocido para muchos y que redujo la ciudad a cenizas y la población al mínimo (las cifras ponen los pelos de punta).

Varsovia, 1944 (Jan Komasa, 2014) muestra con toda su crudeza este episodio desde la perspectiva de varios jóvenes. Es verdad que en algunos momentos, su estilo videoclip resulta surrealista, con música que a veces parece jocosa y sobretodo incoherente con lo que estamos viendo, pero bien sirve para dejar ir una risa nerviosa y deglutir tanto horror. Porque el film n0 escatima en dosis de realismo y crudeza. Los horrores nazis de sobra conocidos.

 

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El amor es amor (tenga el nombre que tenga)

Hacía tiempo que no veía algo tan dulce, sincero y desgarrador, a la vez que lleno de entereza y dignidad, y menos en una película ambientada en un verano italiano en la Lombardía rural, al norte de Italia, en los años 80 del siglo XX.

Es, por encima de todo, una película adulta, madura, sobre el primer amor, la amistad, el deseo, el descubrimiento de la identidad, la perdida, la aceptación, el miedo, la ambivalencia, las contradicciones. Y qué importa si este primer amor es heterosexual u homosexual (sinó, y solo quizás, por el miedo y la verguenza, sobretodo propias). Porque en el camino hacia la madurez las cosas, y entre ellas el primer gran amor, no son tan fáciles como en las películas (románticas) al uso nos han presentado. La realidad es otra. Y en ella, el mundo, el fin, no resulta ser siempre como nos hubiera gustado.

Quizás por eso Call me by your name (Luca Guadagnino, 2017) nos cala tanto. Desde la mayor sencillez y delicadeza me ha dejado emocionada, revuelta y llorosa. Pero no de lágrima fácil.

Algo que empieza, aparentemente, y muy aparentemente, como Belleza Robada, de Bertolucci  (Italia, verano, família rica y bohemia, protagonista joven y guapo) consigue ser algo más, mucho más. No se queda en la superfície, en los tópicos, ni en el invite a embriagarse por unos paisajes de ensueño y hacer “turismo” cinematográfico.

Una película en la que parece que no pasa nada (un verano largo, común, en una villa, en el pueblo, con sus fiestas, sus paseos en bicicleta, las siestas en la hierba, la música, los libros y sus baños en el riachuelo) pero en la que, poc a poco, pasa de todo. Y un todo con lo que todos podemos sentirnos identificados. Esos momentos especiales de la vida, en los que se te quedaba el corazón dando volteretas en la boca del estómago y en que la emoción te dificultaba conciliar el sueño. El intenso sentimiento, el arrebatador deseo y la dolorosa perdida. Todo en mayúsculas.

El film, en si mismo, nos embriaga y nos atrapa. Nos envuelve sin darnos cuenta y nos emociona. Nos rendimos a sus pies. Porque huye de la estética para adentrarnos en el sentir de los personajes, en sus dudas y sus sentimientos, que sin dibujarlos con trazo grueso y ya conocido los esboza con suavidad para que podamos captarlos a la perfección. Con el moverse del cuerpo, los pequeños gestos. Lo que se dice. Y lo que no.

Te recuerda esas arrolladoras ganas de vivir, de gritar al mundo que eres exultantemente feliz. Porque sin duda, se trata de una oda a la vida, a vivir y a exprimir cada experiencia a pesar del dolor y el sufrimiento. A ser uno/a mismo. A vivir el amor sin frenos ni prejuicios. Esa vida que vale, siempre, la pena de ser vivida. Y el amor, que sea del tipo que sea, sea hacia quién sea, es siempre lo más natural del mundo. El amor sin condiciones.

Una de las mejores películas ambientadas en Italia en las que Italia no es la película. Da un poco igual el lugar, aunque el verano siempre necesita de una naturaleza y unos espacios para el fluir (un río, una mesa en la sombra, los desayunos en la terraza, los paseos en bicicleta, los bosques). Lo importante de verdad en esta película es la historia y los personajes, los que te calan bien adentro. Los que dejan marca. Timothée Chalamet nos conquista en cada plano (y no es el único film suyo en el que lo consigue; la cámara lo adora) y su química con Armie Hammer, con esa voz profunda y ese cuerpo largo y espigado, es más que evidente, aunque llena de sutileza. Sus magníficas actuaciones consiguen que nos metamos comodamente en su piel y también nos enamoremos.

Todos somos Elio y Oliver.
Nada sobra y nada falta.

PD. Y me pregunto a menudo, especialmente cuando un film me impacta tanto, si no es tanto lo que él me cuenta como lo que proyecto yo en él. Call me by your name nos traslada a todos a este momento tan especial, tierno y emocionante de la primera juventud, y nos recuerda que el pasado nunca volverá a pasar y que no podemos atrapar el tiempo. El tiempo pasa y la vida son etapas que vamos dejando atrás, y al mirar por encima del hombro lo que ya pasó y nos hizo tanto vibrar, te das cuenta que es algo que nunca más volverá a pasar.

PD2. Hay dos escenas sublimes. La conversación con el padre. Y el final. Piel de gallina.

TRÁILER

ESCENA

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Colombia hoy, después de la guerra

Uno de los mejores documentales de los último tiempos sobre el después de un conflicto armado. Intimista, profundo, diferente. Un imperdible.

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Homosexualidad, Londres y las Rocosas

Tropecé con esta miniserie británica de dos capítulos, que bien podría haber sido un largo largometraje, por casualidad. Dormitar en las tardes de verano.

No esperaba nada, no conocía nada de ella, y me emocionó absolutamente. Caí rendida a los pies de El hombre de la camisa naranja, de sus personajes, la historia y las interpretaciones. Pero, sobretodo, ante su delicadeza.

La delicadeza con la que trata las relaciones homosexuales de dos hombres en epocas muy distintas. Londres de posguerra y Londres en la actualidad. Pero, independientemente del tiempo, nos muestra como la complejidad, desconcierto e injusticia rodea todas las relaciones humanas. Especialmente las homosexuales, enfrentadas al odio y a la intolerancia.

Y precisamente por eso, por ver la injusticia y dolor que infringe en las personas y las relaciones humanas la homofobia, me ha recordado a Brokeback mountain (Ang Lee, 2005), ambientado en el oeste estadounidense, en las Rocosas, aunque en realidad se rodó en Canadá. Protagonizado por el malogrado Heath Ledger, explica la historia de un amor clandestino entre dos fornidos vaqueros a lo largo de décadas, mientras viven sus vidas paralelas de casados con hijos.

Cuanta infelicidad y dolor ha producido, y aún produce, la homofobia. A unos y otros. A los que no pueden amarse o deben amarse en la clandestinidad y a los que aman sin ser correspondidos y sirven para ocultar la realidad.

 

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Spike Lee, el KKKlan y Donald Trump

A veces ves cosas que te impulsan a escribir. Y a mi me ha pasado con Infiltrado en el KKKlan (Spike Lee, 2018). O mejor dicho, por el minuto y medio final del metraje. Se me han puesto los pelos de punta. Y sorprende, tratándose pues de una comedia.

Pero es que Lee consigue, con gran maestría, hacer de una comedia y una situación surrealista, aunque basada en hechos reales (la infiltración de un policia negro, Ron Stallworth, en una “sucursal” del ku klux klan en 1978), una denuncia al resurgimiento del espiritu supremacista del KKK en los Estados Unidos de hoy en día y sus vínculos con Donald Trump, El nacimiento de una nación y el “American first”.

El auge del racismo y la ultraderecha en el mundo de hoy en día es común en muchos sitios del mundo, empezando por los Estados Unidos y terminando por Europa o algunos países de América del Sur. Y Spike Lee ha conseguido una vez más y con brillantez poner las cartas sobre la mesa: el odio racista, el antisemitismo, el supremacismo, el fascismo y nazismo sigue hoy como ayer tan peligrosamente presente en nuestro mundo.

Hay imágenes que no se me van de la cabeza. Disfrutad de la comedia, de lo inusual de la situación, al ritmo a lo Jackie Brown…porque las imágenes del final, absolutamente reales y actuales, os helarán el corazón.

Infiltrado en el KKKlan ganó el Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes.

Para saber más…

Film relacionado: El nacimiento de una nación (Nate Parker, 2017)

Otras visiones interesantes: Claves para entender el populismo en el cine.

 

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‘Captain fantastic’, alternativas de vida

Emocionante, divertida, dura, pero sobretodo, una invitación a la reflexión que no te deja indiferente. Han pasado semanas desde que la vi y aun sigue un run-run en mi mente.

Vivir fuera de la sociedad, a una sociedad a la cual detestas, y celebrando el Dia de Noam Chomsky como se celebra la Navidad. Vivir apartado de las normas sociales, la cultura del consumo, la tecnologia, en absoluto contacto con la naturaleza, una naturaleza preñada del noroeste de los Estados Unidos, sin filtros, a veces sin tregua. Pero no como Into de wild, en donde el aislamiento era solitario, a lo Thoreau, sino como opción de vida en comunidad, en formato familiar.

Pero, te preguntas ¿y después qué? Puede, pues, un niño criado en la naturaleza, educado libremente, cazando su propio alimento y pasando las noches leyendo, insertarse en la sociedad? El choque es inevitable. Y aunque este mundo aislado parezca extremo, duro y crudo (no sólo vivir aislado en la naturaleza, sino tener una educación sobre la muerte, el sexo, sin ningún tipo de tabú), ¿quién resulta más adormecido y gilipollas? ¿El que se pasa el día con un videojuego o el que se sabe, y entiende, nada de ser loros, un texto legal que implica a la ciudadanía?

Aquí lo dejo, abierto a consideraciones. Que cada uno vea su propia película y saque sus condiciones.

Captain Fantastic (Matt Ross, 2016)

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#noesno

A razón de los momentos que estamos viviendo, un film como “Acusados” (Jonathan Kaplan, 1988) es de rabiosa (y triste) actualidad.

30 años después. Que poco han cambiado las cosas.

Ni la ropa ajustada, ni el alcohol, ni los contoneos…nada, absolutamanete nada justifica una violación. Y el único culpable de ello es el violador.

Disculpas por la baja calidad. Aquí tenéis un enlace con los clips en inglés en alta calidad:

movie clips en HD

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Pequeñas joyas

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Revisión de verano: Matar a un ruiseñor

La vi otra vez como si fuera la primera vez, hace como dos décadas. Y entendí de nuevo porque era una clásico. No he leído el libro, pero imagino que es de aquellos films que estan a la altura de sus plumas. Un poco como ha leído hace poco de Alta Fidelidad  (no solo  Montoya es un fan) y como siempre he pensado de Las virgenes suicidas, de Coppola vs Eugenides (no se si con mi favorita, Middlesex, tendría nadie tanto acierto y delicadeza para llevarla a la pantalla con dignidad).

Aquí os dejo, un pedacito de este verano, desde la América profunda.

NOTA. Reconozco que había olvidado tanto protagonismo infantil en ella. La recordaba más a lo Impulso Criminal o El sargento negro…y extrañamente algunos fotogramas me ham recordado a Blue Velvet. Lo inquietante que hay debajo de la superfície.

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Blanco y negro en Nueva York

Has pasado más de 25 años desde que Spike Lee la rodó, y sigue siendo de rabiosa actualidad. Fiebre salvaje (Spike Lee, 1991)

La interracialidad y los problemas que se derivan de ella. La oposición dentro la comunidad, tanto la italoamericana como la afroamericana; el racismo, los prejuicios, los tópicos, la violencia, incluso la política (brutal la escena en la tabacalera de Paulie sobre si han votado o no)…. Romper barreras e ir a contracorriente tiene tan alto precio que no  es algo que cualquiera esté dispuesto a pagar.

Nota: Wesley Snipes, Samuel L.Jackson, Halle Berry, Annabella Sciorra, John Turturro, Anthony Quinn, Tim Robbins,….impresionante elenco.

Y New York, New York….

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Londres, un yonki y un gato

Un gato callejero llamado Bob (Roger Spottiswoode, 2016)….o lo que comienza como un dramón sobre un adicto a la heroína con todas las de perder en la vida, acaba siendo una simpática película sobre el poder que tienen los animales de compañía para dar apoyo y fuerza a solitarios, despechados, abandonados y marginados.

Lo mejor: el actor protagonista, el gato , la música y Londres, des de lo más turístico (Covent Garden continua siendo una maravilla) a lo más costumbrista de los barrios de la periferia.

Una curiosidad: la historia va más allá del “basado en hechos reales”. La película cuent la historia real de James Bowen, un músico callejero que acabó protagonizando un best seller al acompañarle siempre un gato llamado Bob. Y el gato que sale en el film es, ni más ni menos, que el Bob real, mientras que James se limita a un cameo al final del film.

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De plumas en Bahía Bodega

Los Pájaros (Alfred Hitchckock, 1963) un clásico de completa actualidad (no en vano, El incidente de Shylaman es una “copiada” en toda regla), que sigue poniendo los pelos de punta (si eres de una ciudad o pueblo costero más de un susto con las gaviotas te habrás llevado!).

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El nacimiento de una nación (negro sobre blanco)

Como contraposición a la película más racista y supremacista (en que los blancos dels ku klux klan son los héroes), la muda El nacimiento de una nación (1915, DW Griffith), que en realidad se debería llamar “Clansman”, tenemos su reverso negro, una pequeña venganza cinematográfica: El nacimiento de una nación (2017, Nate Parker), el otro lado del espejo. Que falta hacía.

Reportaje del centenario de la película más racista de la historia.

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Dolor y humor negro frente al mar

Es realmente difícil ver una película dramática en que el drama sea contado de forma tan sutil, narrado con cotidianeidad y sin efectismos recurrentes, y donde los sentimientos no sean una explosión incontrolada que contagian el llanto. El dolor puede ser mayor cuando se intuye pero no se ve, cuando lo descubres bajo las capas y capas de otras emociones, y entonces te deja helado. Cuando el dolor acompanyan a los personajes de modo casi imperceptible, como una sombra…

Esta es la grandeza de Manchester frente al mar, con una historia sencilla y corriente, más propia del cine europeo que el estadounidense al uso; una historia como la de muchos, pero con la que el espectador se va dando cuenta que es más de lo que aparenta, aunque la vida sigue inmutable a ello.

Y lo va descubriendo con un Casey Affleck espectacular, contenido en su drama personal, torturado pero no como un rebelde con causa; sin ser una histrionica caricatura del dolor, una reina del drama. Sólo un ser humano con sus luces, sus sombras….

Manchester frente al mar huye de todo lo que podría haber sido a manos de otros, y aunque quizás es algo excesiva en metraje, me dejó en silencio conmigo misma. Porque hay veces que a una no le salen las palabras, porque lo que cuentan, y sobretodo como lo cuentan, te deja helado.  Por suerte, es también un film de contrapuntos, de ternura y dulzura en ciertos personajes, de humor negro, y de esos paisajes helados y frondosos de esta población pesquera próxima a Boston, de su luz y sus cielos azules, y del amor por el mar.

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Sunday, ‘bloody sunday’

Ayer, 30 de enero de 2017, se cumplieron 45 años de uno de los episodios más oscuros de la Europa contemporánea del siglo XX (porque del siglo XXI, hay muchos más): el llamado bloody sunday, domingo sangriento, la matanza de catorce personas, la mayoría de ellos menores de edad, en una marcha por los derechos civiles en Derry, Irlanda del Norte, en 1972.

No voy a contar nada más. No voy a contar como los militares dispararon por la espalda a los manifestantes, a sangre fría; mintieron sobre que éstos poseían armas, cócteles molotov y bombas…sólo os invito a ver el film del mismo nombre Bloody Sunday (Paul Greengrass, 2002) donde la cámara es testigo de la acción en todo momento, casi de forma objetiva. Se parece más a un documental que a un film de ficción, pues reconstruye todo lo ocurrido aquel fatídico domingo.

Un film lleno de tensión, que te deja clavado a la silla durante la hora y media de duración. Y al terminar, te das cuenta que es de aquellas películas que debes haber visto como mínimo una vez en la vida. Una obra maestra. Un imperdible (gracias a Sundance TV).

NOTA 1. El film, estrenado en 2002, no supo que años después, a raíz de una segunda investigación que publicó los resultados en 2010, los mismos que ya se apuntan en el film: que ninguno de los manifestantes llevaba arma alguna y que los soldados jugaron a la guerra con los civiles.

NOTA 2. El film ilustra también como dicho episodio fue uno de los detonantes para que la violencia en Irlanda del Norte se recrudeciera.

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Si esto es Guantánamo

Primo Levi relató su experiencia en Auschwitz, desde su captura por las SS hasta la liberación del campo, narrando como los nazis acabaron con su Humanidad. Lejos del maniqueísmo, del ajuste de cuentas de la víctima, Primo Levi explicó con todos los detalles el proceso de destrucción del hombre, la deshumanización, el despojo de la dignidad, en los campos de exterminio nazis. “Si esto es un hombre” es el testimonio necesario para la memoria histórica, para la dignificación de las víctimas, para que lo sucedido no vuelva a suceder. Y los verdugos, no eran monstruos, según Levi, sino gente cualquiera que obedecía órdenes. Este era precisament el peor horror del sistema.

Éste es el mismo horror que nos muestran en Camp X Ray (Peter Sattler, 2014), en que una soldado descubre, a través de sus conversaciones con un preso, como los apresados en Guantánamo son por encima de todo personas, incluso inocentes, que sufren vejaciones, que se vuelven locos con la tortura psicológica y que viven en una muerte en vida. En este sentido, la deshumanización de dichos presos en Guantánamo me ha recordado a la pérdida de humanidad que vivió Levi en los campos, evidentemente salvando las distancias, y distancias kilométricas, por supuesto.

Y porque el film podría haber dado mucho más de si.

Los que vivís seguros
En vuestras casas caldeadas
Los que os encontráis, al volver por la tarde,
La comida caliente y los rostros amigos:

Considerad si esto es un hombre
Quien trabaja en el fango
Quien no conoce la paz
Quien lucha por la mitad de un panecillo
Quien muere por un sí o por un no.
Considerad si es una mujer
Quien no tiene cabellos ni nombre
Ni fuerzas para recordarlo
Vacía la mirada y frío el regazo
Como una rana invernal.

Pensad que esto ha sucedido:
Os encomiendo estas palabras.
Grabadlas en vuestros corazones
Al estar en casa, al ir por la calle,
Al acostaros, al levantaros;
Repetídselas al vuestros hijos.

O que vuestra casa se derrumbe,
La enfermedad os imposibilite,
Vuestros descendientes os vuelvan el rostro.

Primo Levi

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‘Locke’, un coche, la autopista, y hora y media de tensión

Y Tom Hardy, que se sale.

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De mujeres y la Índia

La India, luminosa, colorida, musical y llena de oscuridad en sus alcantarillas. Jaipur y Mumbai, y una tormentosa historia de “amor” y deseo, de prejuicios, normas sociales, perspectivas emocionales, turistadas, exotismo, expectativas incumplidas, sentimiento de culpa, desprecio, dominio y abuso de poder…y una tragedia índia. Para la mujer nunca ha sido fácil….y menos en la Índia.

Aunque Freida Pinto está fabulosa….podría haber dado un poco más de si, ahondar más en el sentimiento de superioridad, desprecio implícito y paternalismo engañoso de los extranjeros, sobretodo turistas, hacia culturas distintas con niveles económicos más bajos…Lo que sí está claro es que no siempre encontremos humor y Bollywood y viajes de diez metros.

 

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